Takuma Nakahira, un icono de la fotografía japonesa 

Nakahira es uno de los fotógrafos más enigmáticos y radicales que admiro. Es posible que su fuerza narrativa radique en que fue a la vez activista político y teórico comprometido. Sin duda, Nakahira desempeñó un papel decisivo en la formación de la identidad y el lenguaje visual de Japón de post-guerra. Esta misma visión compartimos con todos los maestros de Escuela Efe y es el motor que nos mueve a trabajar para este movimiento de identidad y lenguaje propio de los nuevos fotógrafos de nuestro país.

Un nuevo estilo de fotografía documental

Como ya mencioné en Cuestionar la imagen Cinco lecciones fotográficas que nos deja Takuma Nakahira en este siglo XXI. Nakahira fue editor de la revista Provoke y desempeñó un papel importante en la creación de un nuevo estilo de fotografía documental en Japón. La publicación de estas tres ediciones de la revista influiría en el estilo fotográfico de Japón y el resto del mundo hasta el día de hoy. El estilo de los fotógrafos de la revista era crudo, oscuro, granulado y sobre todo subjetivo. 

Este nuevo estilo de fotografía documental, además de los aspectos técnicos, se caracterizó por reconocer los prejuicios humanos y las interioridades de los creadores de imágenes. Fue a finales de los años 70 que los fotógrafos de Provoke exponían sus trabajos a una escala internacional.

Publicación de fotolibros 

Nakahira publica su primer fotolibro For a Language to Come en 1970. A partir de entonces  fue conocido por infundir a sus imágenes su postura política: sus fotografías intencionadamente toscas y oscuras de esta época se erigieron en una crítica a la rápida expansión urbana de Japón derivada de su crecimiento económico. (Aquí puedes leer: La Revista PROVOKE, la ventana a una nueva perspectiva fotográfica. 1era. Parte)

En el otoño de 1971, Nakahira participó en la 7ª Bienal de París. Para esta exposición creó un nuevo trabajo basado en su experiencia parisina, un conjunto de fotografías tituladas Circulation: Date, Place, Events. A lo largo de la semana que duró la Bienal Nakahira tomó y reveló casi doscientas imágenes al día y las instaló sin enmarcar en las paredes del espacio. La obra resultante se conocería como un ejercicio de subjetividad total, en el que las vistas de París de Nakahira sumergían a los espectadores al tiempo que abandonaban las visiones objetivas del entorno que les rodeaba. El tema de la bienal de París es muy importante porque extrae algunas ideas revolucionarias que abordaremos con mayor profundidad en el siguiente post. 

La destrucción total de sus negativos 

Pionero, junto con Daido Moriyama, del estilo «are, bure, boke«, o «granulado, borroso, desenfocado», a Nakahira le preocupaba cada vez más que su obra pudiera caer en el cliché.

Franz Richard, becarios postdoctral de Estudios Japoneses en la Universidad de Harvard expresó a la Revista Time:

“Cansado de estar yendo demasiado lejos en su afirmación del control sobre el mundo en el tratamiento ‘poético de la realidad, Nakahira quemó sus negativos”

Franz Prichard

Con este acto revolucionario vemos claramente la constante intención de Nakahira de romper con las convenciones establecidas. Fue de esta manera que destruyó los vínculos con la autoridad de su propio pasado y muestra constantemente un esfuerzo por reinventarse completamente como artista.

Esta quema de sus negativos representó una pérdida de la memoria de su trabajo, fue un hecho que sin pensarlo, anunciaría el futuro de su obra. La destacada carrera de Nakahira experimentó un cambio significativo en el año 1977, cuando sufrió una importante trágica pérdida de memoria y afasia a la edad de treinta y nueve años, producida a causa de un coma por intoxicación etílica, lo que puso fin a su carrera como teórico y crítico. 

• ¿Estuvo bebiendo mucho? ¿Recuerda algo al respecto?

¿Bebiendo? Probablemente sí, durante esa época bebía mucho. Mi fotografía la olvidé completamente, sin que pudiera evitarlo. Takuma Nakahira. 

El proceso de recuperación

En 1977, Nakahira desarrollaría su pensamiento más refinado sobre la fotografía a través de una impresionante colaboración con el fotógrafo Kishin Shinoyama en Duelo fotográfico. Esta colección de escritos de Nakahira y fotografías de Shinoyama se publicó justo después de que Nakahira sufriera la pérdida de memoria. 

Aunque Nakahira dejó de escribir, siguió llevando su fotografía a terrenos inexplorados a través de sus siguientes fotolibros (A New Gaze, 1983 y Adieu à X, (1989). Del que escribe:

“He vuelto a ser un fotógrafo sencillo.”

Takuma Nakahira

La imposibilidad de capturar el mundo de una sola vez

“Cuando creemos atraparlo con una sola imagen, el mundo se escurre por las grietas y resquicios de la representación.”

Takuma Nakahira

Desbordamiento

Desbordamiento es el primer fotolibro en el que la instalación de Nakahira cobra vida en su totalidad y con todo detalle desde su presentación en 1974.

La serie «Desbordamiento» de Takuma Nakahira se presentó originalmente como una instalación durante la exposición de 1974 «Quince fotógrafos de hoy» (Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio). La obra constaba de 48 fotografías en color dispuestas en una pared de 6 metros de ancho y 1,6 metros de alto. 

El fotolibro Overflow es la primera oportunidad de contemplar la asombrosa serie de Nakahira fuera del contexto de una exposición. Las fotografías muestran elementos de una ciudad -espeluznantes grietas en un espacio rebosante de objetos, mercancías e información- que Nakahira encontró y capturó en su vida cotidiana, desde la hiedra arrastrándose por las paredes y las tapas de alcantarilla de las calles hasta el neumático de un gran camión, desde un tiburón de vientre pálido flotando en la oscuridad transparente tras el cristal de un acuario hasta primeros planos de una estación de metro. Mira aquí el video del libro OVERFLOW.

La disposición del fotolibro imita estrictamente la posición de cada foto en la instalación para reproducir la experiencia original de la serie dentro de los límites de un libro. Además, Franz K. Prichard, profesor adjunto de la Universidad de Princeton, contribuye con un extenso ensayo en el que compara la serie Overflow con la visión de Nakahira de un «diccionario ilustrado» (tal y como se esboza en el ensayo de Nakahira de 1973 «¿Por qué un diccionario botánico ilustrado?»), ofreciendo así una profunda exploración de Takuma Nakahira, que integró como nadie la praxis y la teoría en su obra.

«Desbordamiento» nos obliga como espectadores a ver la interacción de una distribución aparentemente aleatoria de fragmentos, superficies y residuos. Y al hacerlo, nos hace sentir la enumeración indiferenciada de partes de un todo incompleto.

Un artista adelantado a su tiempo

A pesar de un desconocimiento generalizado de su obra, Takuma Nakahira ha sido considerado durante mucho tiempo un ícono de la fotografía japonesa. 

“Parece que ahora estamos mejor preparados para comprender las profundas inquietudes que impulsaron la perpetua evolución del pensamiento y la práctica de Nakahira, incluido su deseo de cuestionar lo que constituye la fotografía y las formas en que ésta puede impugnar el funcionamiento del poder”.

Franz K. Prichard

Fuentes:

• Reznik Eugene, Burned to Nothing: When Photographers Destroy Their Own Negatives. Revista TIME.
• Varios Artistas, Provoke – Between Protest and Performance. Steidl 2016-.ISBN978-3-95829-100-3
• Takuma, Nakahira, Aratanaru gyoushi (una nueva mirada) , 1983.

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